Villa Monga
via Baganzani
Robert Lunte
Marco Tonini
A TC-Helicon Create Pedal
and a RODE M1 microphone
will be given away respectively at two drawn students.
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For more details download the work programme, post a comment or contact: Read the rest of this entry »
SABATO 24 OTTOBRE 2009
l’essenza nascosta della voce
Veronica Vismara – Lorenzo Pierobon
MINERVA EDIZIONI
Non un manuale, ma un percorso attraverso lo strumento voce, fatto di analisi, Read the rest of this entry »
I am very stupid.
I was sure I have already inserted these extraordinary free audio tools for vocal and sound analysis (unfortunately only for Win) from UCL.
Ok, I’m doing now!
from UCL: SFSystem
They are like many other applications, but some of them can offer to you many little surprises.
For vocal analysis I suggest: Read the rest of this entry »
Questo progetto parte da un’idea di Stefano Cecere e Lorenzo Pierobon, i quali hanno chiesto un mio contributo tecnico e organizzativo.
Tune the World è strettamente collegato con l’evento WORLD MARCH for peace and nonviolence del 2 0tt0bre 2009,
prima Marcia Mondiale che farà il giro del mondo chiedendo la fine delle guerre, lo smantellamento delle armi nucleari e la fine di ogni tipo di violenza (fisica, economica, razziale, religiosa, culturale, sessuale e psicologica).
In pratica Tune the World si prefigge lo scopo di riunire quante più persone possibile dell’intero pianeta nel medesimo istante, via web, live, e mediante ogni altro media, per l’emissione intonata di un suono vocale specifico ad una medesima altezza/frequenza sonora e della durata di 15 minuti … Read the rest of this entry »
di Roberto Laneri
In verità, due sono gli universi su cui meditare: quello del suono e quello del non-suono. Ebbene, il non-suono si raggiunge solo attraverso il suono… (dalle Upanisad, t.d.a.)
Non so se e in qual misura il non-suono sia stato raggiunto dai membri del gruppo, sia presi singolarmente sia in quanto PRIMA MATERIA, so soltanto che la richiesta (del resto prevedibile) di scrivere qualcosa in questa occasione è stata veramente faticosa da portare a termine. La sensazione prevalente, ogni volta che cercavo degli argomenti, era di un vuoto totale che da una parte mi induceva ottimisticamente a credere di aver raggiunto la cessazione del dialogo mentale (il non-suono), dall’altra mi ricordava una scadenza, sgradevole come tutte le scadenze. Mi sono chiesto il perché di questa difficoltà, e la conclusione è stata che, come mi disse uno spettatore dopo un concerto al Metamusik Festival di Berlino “it’s not easy to sing the PRIMA MATERIA”… Read the rest of this entry »
Dopo ogni seminario si riflette, sia da fruitori sia da relatori. Da entrambe le parti si impara qualcosa, e quindi ci si chiede cosa.
Photo by Tran Quang Hai
Anche il recente seminario sul Canto Difonico inserito nell’ambito della 13° Rassegna Musica Diversa – Omaggio a Demetrio Stratos mi ha fatto riflettere, perlomeno per la parte di apertura che mi ha riguardato:
Questa iniziativa è appena nata per cui contiamo sull’interesse e la curiosità di quante più persone possibili.
Dopo una chiaccherata/riflessione – di fronte a un buon bicchiere di acqua fresca rigorosamente liscia – sulla solita ottusità culturale tutta italiana, Roberto Laneri e Marco Tonini decidono di provare anche questa strada.
Obiettivo del network Canto Armonico è divulgare quanto più possibile la cultura – e la pratica – del canto armonico nel nostro paese attraverso l’intervento di chi se ne occupa, … Read the rest of this entry »
Nell’ambito della 13ª Rassegna di Musica Diversa “Omaggio a Demetrio Stratos” che si terrà il 19 e 20 giugno 2009 presso Alberone di Cento (FE), vi segnalo il Seminario sullo strumento voce, tenuto dal sottoscritto, Tran Quang Hai, Albert Hera e Boris Savoldelli.
Ecco i dettagli:
This is a clip by Pa Pa Jeah-Ja’s and Chris Amrhein, two friends on Overtone Music Network:
Calling you (Bagdad Cafè soundtrack) is one of my preferred songs. It moves me to tears each time I hear it, like few other ballads (A salty dog, The great gig in the sky, …).
Maybe this is in relation with my memories or with my mood…
This is a nice way to realize a simple moveable larynx.
I use this model on my workshops to explain clearly some larynx movements.
Look at this video:
In my opinion we must distinguish two meants about overtone singing:
1 – overtones singing for inner search, inner peace, and so on…
2 – overtones singing for acoustic beauty only
I am for the first category, I don’t understand the second, however I often try to join them in a unique mental condition.
Dr Julian McGlashan from Queens Medical Center in Nottingham presenting a part of a research study made in cooperation with Cathrine Sadolin and Henrik Kjelin from Complete Vocal Institute in Copenhagen.
I found a lot of singing lessons on Youtube. Well, theory is good, but I am surprised because anyone can teach everything without control. So wandering on Youtube I found a lesson by a young teacher (?).
HARMONIC VISION audiovisualization program, 1998-2008.
Harmonic Vision by the famous overtone singer David Hykes is a marriage between art and tech. He and his team have realized a Max/MSP based stand-alone software that transforms vocal harmonics into visual mandalas and imagery, using pure Harmonic Chant, Mantra or chanted names.
By this app you can understand and look at the vocal tract movements and their audio effects. Read the rest of this entry »
Comunicato
ANTIGONE EDIZIONI
di Laura Pigozzi
My experience is very simple. I think that my greatest guru was to try and to find right positions, right sounds, right resonances, every day.
This is normal.
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The free version of this software is ready for you.
Overtone Analyzer is a software for vocal and sound analysis, in particular addressed to overtone singers.
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LABORATORIO
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Donald Gray Miller audio-vocal theories are very interesting, I have got and use the same about resonances and vocal analysis.
He has elaborated a good book with a lot of clear explanations about singing resonances, Resonance in Singing, and an audio software for formant analysis and electroglottograph analysis in real time, Voce Vista. These remember me my method Tertium Auris, (The Third Ear).
Artist and overtone-singer, he was born 1968 in Dresden. He began his musical career 1979 at the child choir of the state opera Dresden and changed 1985 to the saxophone. Apart from the occupation with overtone singing and ethnic instruments he studied jazz saxophone at the HfM Dresden. First simple sound objects developed around 1990. Read the rest of this entry »
Great music and sounds by Roberto Laneri, international guru about Overtone Singing & Co.. It is a very particular CD, we can listen didjeridoo, overtone singing, indian and oriental instruments, all the clarinet-sax category and audio processing. Read the rest of this entry »
Mariolina Zitta created this audio cd using bat calls and other sounds, voice, logs with sticks, overtone singing, tibetan bowls and didjeridoo (Lorenzo Pierobon), steps through the cave, mouth bow, seed rattle, shingle, …
Patrizio Ligabue – didjeridoo e overtone singing – e Simone Copellini – tromba, synth, guitars, guitar bass, programmer – hanno sfornato questo particolare cd.
sabato 23 agosto 2008
TEATRO GIARDINO PALAZZO ZUCKERMANN
Corso Garibaldi – Padova
You can find other artists here.
www.brunoamstad.com
Enorme sorpresa, il paragone con Demetrio Stratos vien da sé, basterebbe ascoltarsi il CD solo-voice Tiniest Sparks, ma per me sarà sempre e comunque fuori luogo.
Lui è Bruno Amstad, punto e basta.
Estensione vocale e mezzi tecnici notevoli uniti a un repertorio che spazia dalla sperimentazione al rock-funk-soul fino all’overtone singing fanno di lui un artista e vocalist versatilissimo.
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Big surprise, if you listen his solo voice CD Tiniest Sparks you think about Demetrio Stratos.
No, he is Bruno Amstad, period!
He is a very versatile vocalist, thank to his remarkable vocal extension, vocal technique, and his experimental-rock-funk-soul-overtone singing repertoire.
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Intro
Overtones
and from Tiniest Sparks:
60°N/142°W
Monk in exile
Without roots part II
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You can find other artists here.
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Accademia d’Arte Musicale di Verona
IL CANTO ARMONICO: TEORIA E PRATICA MEDIANTE L’UTILIZZO DELLE TECNOLOGIE INFORMATICHE
TERTIUM AURIS & VOCAL HARMONICS IN MOTION
relatori Lorenzo Pierobon e Marco Tonini
(scarica il pdf)
Per ulteriori informazioni e prenotazioni:
Elisabetta Zucca
+39 338 1225171
elisazucca@hotmail.com
Very very nice this no-install application.
It shows the relation between formants and vowels, with the possibility to change pitch, source wave, shape, bandwidht.
For win, linux and mac.
From the site:
What is this?
This application demonstrates formant-based synthesis of vowels in real time, in the spirit of Gunnar Fant’s Orator Verbis Electris (OVE-1) synthesizer of 1953.
How to use
Set source and filter parameters at the top. Click and drag in the “vowel space” to hear the vowels.
Right-click to select target language for vowel symbols.
LPC power spectrum of source (red) and output signal (green) are to the right, waveforms are displayed at the bottom.
The source type “sampled” will use a sound file containing a single period of a waveform as voice source.
http://www.speech.kth.se/wavesurfer/formant/
E’ stata rilasciata la versione stabile di Overtone Analyzer – ex beta version – per Windows, nelle verioni Lite, Standard e Premium.
Specifico subito, il software non è free, non è open source, si possono scaricare i trial per provarlo per 30 giorni, dopo i quali, per utilizzarlo, va acquistato.
Devo dire di sentirmi un pò orgoglioso nel rilasciare questo annuncio per vari motivi:
probabilmente sono il primo in Italia a darne l’annuncio, dato che sono stato avvisato ieri dal suo ideatore Bodo Maass – l’annuncio ufficiale forse verrà dato al prossimo Voice Symposium di Salisburgo o comunque nei prossimi giorni – e poi mi sento in parte coinvolto in quanto ultimamente sono stato interpellato spesso da Bodo per il testing finale e come consulente vocale per vedere come implementare alcune features future che ho in mente.
Sia chiaro, Overtone Analyzer è stato ideato e compilato da Bodo Maass in non pochi anni di lavoro, con la consulenza di Wolfgang Saus per quanto riguarda l’overtone singing, e in futuro anche con la mia per quanto riguarda un utilizzo più ampio del software, dedicato magari anche al cantante d’opera (extra formante di canto) o allo studioso di fonetica.
Sul sito sygyt.com trovate tutte le caratteristiche tecniche delle tre versioni trial Lite, Standard e Premium.
Prossimamente dovrei realizzare dei video tutorial.
Overtone Analyzer 1.0 was released, the last version.
Bodo Maass, the boss, told me the news yesterday. I’m very happy for this because next time we’ll work togheter about some new features for this incredible software. Now it is very useful for overtone-singers, thanks to Wolfgang Saus too, as a spectrum analyzer, for acoustic of sounds and visual feedback for singers, a very useful feature, so we think to study new possibilities for opera singers, for example. But not only.
At this site you can find all about Overtone Analyzer.
I must create some video tutorial.
La durata di alcune consonanti si esaurisce in qualche istante, ma spesso ingenuamente le si antepone a un suono vocalico. Se ad esempio chiediamo a qualcuno di emettere una consonante molto probabilmente sentiremo <biiiiiiiii…>, o <piiiiiiii…> oppure <feeeeee…>, <gaaaaaa…>, etc., d’altronde si insegna ai bambini a pronunciare l’alfabeto in questo modo <a, bi, ci, di, e, effe, gi, acca, i, elle, emme, enne, o, pi, ….>.
Però non tutti i suoni consonantici possiedono tale caratteristica di istantaneità; potremmo quindi asserire che esistono tre insiemi di suoni vocali, nel senso di <prodotti con la voce e tutto l’apparato connesso>:
~~~~~
Consonants duration is generally very short, but in our language (Italian) they are place before a vowel sound, so our alphabet is pronounced in this way, a, bi, ci, di, e, effe, gi, acca (h), i, elle, emme, …
But not all consonants are short, in fact we can assemble them into three groups:
Devo ammettere che ultimamente ho seguito le vicende di X-Factor, in quanto incuriosito dalla categoria gruppi vocali , e per uno come me che è cresciuto ascoltando anche gruppi vocali tipo Lambert, Hendricks & Ross e tutto il loro seguito…
E’ vero, i Cluster sono bravi, tecnicamente molto preparati, e armonicamente pure, accordi ti 9°, 11° e 13° senza problemi. La questione è che gruppi così (bravi) ne esistono a decine in tutta Italia, e noi non siamo certo primi in Europa come rappresentanti di questo filone. Se ci confrontiamo con gli USA poi, basterebbero solo gli Housejacks o i Take Six …
Diciamo che qui da noi il cappella group o il a cappella genre non è molto considerato dalla stampa e dalla critica generica, è come parlare di overtone singing, un mondo sconosciuto ai più.
Mi sembra che Morgan abbia capito molto chiaramente quale sia la situazione della musica extra-colta in Italia, e cioè abbastanza pietosa.
In fin dei conti a quanti cantanti o band interessa partecipare a programmi tipo X-Factor?
Secondo me – e secondo Morgan, e secondo molti altri – non a molti; molti musicisti hanno altro a cui pensare. Indubbiamente X-Factor offre un’opportunità, non l’opportunità, è un’iniziativa interessante, anche se secondo me l’idea malsana di far decidere al pubblico da casa ha sfalsato il vero valore di qualche bravo artista, vedi l’uscita di Silvia e degli stessi Cluster.
Non cadiamo nell’errore della signora Ventura quando afferma che la sua opinione è rispettabile quanto quella di Morgan e della signora Maionchi. Non scherziamo. L’opinione personale e i gusti personali qui non possono sconfinare con l’obiettività; qui l’obiettività è determinata dall’esperienza, dalla competenza, dalla cultura storico-musicale. E da dati oggettivi. Quanti enti e teatri lirici sono gestiti qui in Italia da veri musicisti? E purtroppo si vede! Quanti produttori sono veri musicisti? Chi conferisce loro il diritto di decidere l’andamento del mercato discografico? In base a quale criterio?
La mia opinione ha un solo diritto nei confronti di quella di qualcuno più esperto di me: il diritto di essere ascoltata, non accettata o giustificata o posta sullo stesso piano.
Per vero musicista non intendo certamente il semplice diplomato (laureato?) in conservatorio. Non so se Morgan abbia o meno intrapreso studi musicali accademici, ma costui è in ogni caso un musicista vero (e qui si capisce che l’oggetto della mia critica in un post precedente non è lui), possiede quella dose di sensibilità e cultura storico musicale che gli permette di poter discriminare, osservare con distacco super partes, e quindi di poter fornire giudizi obiettivi.
Sono usciti i Claster e lui si è arrabbiato. Giusto. Ma conoscendo il regolamento del programma avrebbe dovuto immaginare che lasciando ampio potere decisionale al pubblico italiano ciò sarebbe potuto succedere. Come è successo a Silvia, la voce più elegante degli ultimi decenni. E non è opinione mia, è un dato di fatto oggettivo e inconfutabile.
Già, ma Morgan, paladino difensore della cultura musicale di qualità, si è arrabbiato quando è uscita Silvia?
A gentile richiesta,
premessa:
L’ordine numerico attribuito alla sequenza formantica è in relazione alla frequenza crescente, e cioè partendo dalla frequenza fondamentale o primo componente armonico. La frequenza fondamentale Fo per definizione è di frequnza minore rispetto a tutti gli armonici che costituiscon il medesimo suono.
A livello molto generico il 1° formante è costituito dai primi armonici – alcuni, dipende dalla struttura dell’evento sonoro – partendo dal primo componente armonico, il 2° formante da alcuni armonici seguenti (e quindi di frequenza superiore), e così via.
Eempio:
Ciò che invece determina la quantità di componenti armoniche costituenti un formante è in relazione all’intensità.
Formante: concentrazione di energia in una certa banda frequenziale
In questa figura si può notare come all’asse x sia assegnata la frequenza, con lettura da sin a dx, all’asse y l’intensità, dal basso verso l’alto ed espressa in decibel (dB) – anche se la numerazione è inversa (- 90 dB corrisponde a silenzio, 0 dB al massimo volume prima che il suono possa distorgere).
Il picco formantico è determinato dall’armonico con intensità superiore a quelli appartenenti allo stesso formante.
Nella figura si nota come il picco di F1, 1° formante, sia di circa 550 Hz, corrispondente appunto alla componente armonica (in questo caso h2 – secondo armonico) con intensità maggiore in quel formante.
Domanda: dato un qualsiasi armonico x con frequenza y posso risalire alle frequenze di tutti gli altri appartenenti a un medesimo evento sonoro?
Si, a patto di conoscere la posizione numerica dell’armonico x.
Nel nostro caso il secondo armonico h2 è di frequenza 550 hz; per la regola secondo qui tutti gli armonici sono multipli interi del primo, sarà sufficiente:
550 : 2 = 275 hz = Fo, 1° armonico
E se volessi determinare la frequenza di h4?
275 * 4 = 1100 Hz
(oppure h2 * 2 = h4 per cui 550 * 2 = 1100 Hz)
Ora iniziano i problemi; non è sempre semplice individuare i formanti, soprattutto decidere se un armonico appartiene a tale formante o a quello successivo – o precedente.
Risulta quindi molto chiaro come sia molto semplice individuare il picco di un formante, la vetta, ma non la sua larghezza, (campana o Q).
Per capirci, un armonico potrebbe trovarsi sul confine tra un formante e l’altro, e qui deve intervenire la sensibilità e l’esperienza dell’operatore.
Attenzione anche a non fidarsi troppo dei software dedicati, non ancora in grado ad esempio di individuare e riconoscere i controformanti, formanti al contrario, avvallamenti, fosse, non picchi, che sono determinati solitamente da eccessive risonanze vocali nella cavità nasale.
Finalmente ho ritrovato questo splendido filmato.
Dura parecchio, ma ne vale la pena.
I have recovered this great video. It is very long, but I suggest you to see it.
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L’Accademia d’Arte Musicale di Verona propone due seminari sul canto armonico, didjeridoo e massaggio sonoro
IL CANTO ARMONICO: TEORIA E PRATICA MEDIANTE L’UTILIZZO DELLE TECNOLOGIE INFORMATICHE
TERTIUM AURIS & VOCAL HARMONICS IN MOTION
relatori Lorenzo Pierobon e Marco Tonini
COMPRENDERE L’EMISSIONE VOCALE, IL CANTO ARMONICO
E IL DIDJERIDOO MEDIANTE L’AUSILIO DELLE TECNOLOGIE INFORMATICHE
relatori Mauro Graziani, Moreno Papi e Marco Tonini
Per i dettagli vedere in WORKSHOP.
Per ulteriori informazioni e prenotazioni:
Elisabetta Zucca
+39 338 1225171
elisazucca@hotmail.com
Lori Cotler, segnalata da dumtakadum74, è un’artista che adotta un controllo della propria emissione vocale di tipo ritmico.
Effettivamente all’inizio si rimane sbalorditi dalla sua padronanza tecnica, che si traduce in una mobilità articolatoria e interazione tra lingua, labbra e palato veramente notevoli, ma …..
prima guardiamo due clip:
La mia perplessità verte sulla noia che sopraggiunge inevitabile dopo un pò. Almeno a me. Non vorrei comunque che fosse scambiata per fenomeno da circo, nel senso che ciò che riesce a lei riesce – quasi, a freddo e quindi non così velocemente – anche a me (e sicuramente a molti altri); quindi la sua fama è riconducibile esclusivamente alla velocità delle sue articolazioni fonetiche?
Devo ammettere che ho visionato solo una decina di clip, tutti identici nella loro modalità ritmica, numero probabilmente non sufficiente per poter affermare che tutte le sue composizioni siano così, e lo spero. Comunque si fa ascoltare e guardare piacevolmente.
Se nelle sue composizioni vi è un significato, o meglio un messaggio, che non sia solo ma quanto sono brava, beh… non l’ho colto, ma potrebbe essere un mio limite. In fondo di lei non conosco quasi nulla e sarebbe troppo semplicistico parlarne non bene. Invece la sto citando, perchè comunque queste sono solo mie considerazioni, in questo blog che è comunque un piccolo ponte per la promozione dell’espressione vocale nelle sue più varie sperimentazioni.
Il suo sito:
Alcune considerazioni:
attraverso mio figlio sono venuto a conoscenza di un programma televisivo, X-FACTOR, nel quale se non ho capito male vengono selezionati cantanti e gruppi vocali che in seguito, preparati da dei fantomatici vocal coach, si sfideranno sotto il giudizio del pubblico e di tre esperti (?).
Fra le varie note negative, una mi preme sottolineare. Ho sentito di ragazzi (e genitori) che si sono disperati per non aver passato le prime selezioni, altri, ed è ancora peggio, che si sentivano gratificati solo per essere stati giudicati – negativamente – dalla Ventura.
Altro programma, AMICI, dove spesso le infantili beghe interne tra i maestri giudici si ripercuotono sui poveri ragazzi screditando il loro operato, tutte le loro buone intenzioni e il programma stesso, anche se ormai peggio di così…
Oltre ai litigi, spesso dettati da questioni di orgoglio professionale ferito e grazie ai quali gli allievi passano in secondo piano, ho assistito casualmente a una discussione tra due maestri sul termine convenzionale rotondo, spesso usato nel settore per chiarire… chiarire cosa? Discutete tra voi sulle diverse interpretazioni attribuibili al termine, ma che esempio può essere per chi è lì per imparare e capire? Prima di curare l’interpretazione e altri aspetti certamente non secondari per importanza ma sicuramente per sequenzialità, dovete aver chiaro voi insegnanti ad esempio cos’è un formante, la sua importanza, cosa significa ad esempio arrotondare il suono, ma soprattutto spiegare meccanicamente come si ottiene, quali sono le componenti del vocal tract preposte, fategli analizzare tutti gli spettrogrammi possibili sulle loro varie emissioni, se gli dite che la vocale <a> è troppo indietro dovete spiegar loro empiricamente e meccanicamente che significa e come evitare che ciò accada.
Vorrei dire alcune cose a tutti questi aspiranti cantanti e artisti. Guardate bene chi avete di fronte a giudicarvi; non sempre, ma molto spesso, sono personaggi di dubbia competenza che mascherano la propria presunta professionalità dietro a termini tecnici che non riescono a spiegare, (i soliti avanti, indietro, in maschera, rotondo, chiaro, scuro, etc,) o ad atteggiamenti e look particolari. E non confondete lo spettacolo televisivo con l’arte dell’emissione vocale. Intendo dire che indubbiamente una piccola dose di egocentrismo la possediamo tutti, a tal punto che molti pur di apparire in qualche talk-shaw sono disposti a farsi ascoltare e giudicare da gente tipo la giuria di qualità del Festival di San Remo. E ci rimanete pure male se l’esito è negativo.
Bisogna anche capire quali possono essere le esigenze di un programma; se vi scartano probabilmente non significa che non sappiate cantare o che non possiedate delle qualità. Semplicemente cercano artisti con caratteristiche diverse, non migliori delle vostre.
Se volete un giudizio quanto piu’ possibile obiettivo e oggettivo andate da veri professionisti del settore, e se l’avete già fatto e comunque volete apparire in TV e sapete che l’unico modo è farsi ascoltare da certi personaggi, bene, ma allora non ha alcun senso soffrire per un giudizio negativo, mandate giu’, tornate a casa, e continuate a perseguire il vostro sogno, diritto sacrosanto, ma con intelligenza.
Non vorrei parlare (male) del festival della canzone italiana, mi sembrerebbe di dargli eccessiva importanza.
Però mi suggerisce uno sputo spunto mica male; credo che ormai la vera nuova musica, ma quella con l’anima, la si possa trovare quasi esclusivamente in rete.
Nell varie netlabel che pascolano per il web ho scoperto una miriade di talenti, di musica godibilissima, geniale, piena di qualcosa. Non che io mi ritenga un talent scout, non mi interessa, ma credo di possedere una buona sensibilità e conoscenza – detesto il critico e l’opinionista, la loro esistenza non ha senso.
Tempo fa si discuteva con amici:
cosa ci vuole a comporre una canzoncina per il festival? Qualsiasi bravo musicista sarebbe in grado…
Non credo.
Perchè?
Se è così semplice perche non lo fai tu?
…..
Allora?
Forse … forse perchè poi non conosco nessun produttore … forse perchè non so cosa il mercato richiede … (e se in realtà fosse semplicemente perchè non sono in grado di comporre musica vuota? Ma vuota per chi?) … e se invece fossero tutti alibi?
Ma no, la mia risposta è questa, ho deciso di non versare una sola goccia della mia energia per comporre stupende e splendide minchiate, qualcosa in cui non credo, che non brilla dentro.
Te la devo scrivere altrimenti pensi che siano tutti alibi?
Va bene, ma allora mi paghi, e pure tanto.
Sabato 1 marzo 2008 terrò un altro seminario a Trento per l’Associazione Culturale La Teca.
Dato che in passato più di qualcuno mi ha espresso il desiderio di essere avvisato relativamente a notizie e date riguardanti seminari e conferenze sul mondo vocale, inserisco una nuova pagina, WORKSHOP, sita sempre nella barra sotto il titolo del blog.
L’Accademia d’Arte Musicale di Verona propone un seminario sulla fisio-acustica del suono vocale e in particolare del canto armonico, particolare tipo di emissione che consente di isolare acusticamente, e produrre, alcune particolari vibrazioni dette componenti armoniche, costituenti tutte insieme il suono vocale così come generalmente viene udito.
Conducono Lorenzo Pierobon e il sottoscritto, sabato 8 marzo 2008, presso il Centro Studi Carraro di Verona.
Per visionare la locandina col programma: tertium-auris-vocal-harmonics.pdf
Per chi fosse interessato contattare:
Elisabetta Zucca
elisazucca@hotmail.com
+39 338 1225171
oppure contattate me, o lasciate un commento al post.
Il seminario è rivolto a quanti desiderino comprendere le tecniche dell’overtone singing e sperimentare le sue applicazioni pratiche partendo dall’analisi fisio-acustica del suono vocale. Non si richiede alcun requisito musicale, se non la passione e una buona dose di curiosità per il proprio personale strumento vocale.
L’ho conosciuto al Concerto di Natale trasmesso da Rai2 il 24 dicembre 2007. Durante le prove, ad un certo punto, mentre mi trovo dietro le quinte e parlotto con altri artisti, sento una voce calda e suadente intonare Have yourself a merry little Christmas, e sono rimasto colpito dalla profondità del timbro e dallo swing.
Ora posso dire che per chi ama il soul/jazz Biondi rappresenta attualmente ciò che di meglio vi è in circolazione, un pò Barry White, un pò The Voice, caratterizzato da quella leggera afonia che unita alla tessitura da basso profondo lo rende veramente piacevole.
Per gli amanti del genere.
Quando ero ragazzo e mi sentivo triste ascoltavo spesso quattro/cinque ballad: Lucky Man, una song di Greg Lake, cantante e bassista degli ELP – in particolare la versione originale, non quella live del triplo LP – le prime due dell’LP Quah di Jorma Kaukonen, Blackbird di McCartney e un brano live di Joni Mitchell con Pat Metheny e Jaco Pastorius. La commistione tra semplici armonie e timbri vocali mi lanciavano in un’altra dimensione.
Poi uno cresce, matura, si spera, ascolta dell’altro. Ma nel folk/pop non ho mai più scoperto ballad in grado di ridarmi le stesse sensazioni, a parte qualcosa di Nick Drake e una song di Brian Eno tratta dalla soundtrack del film The Jacket.
Ma da qualche giorno ho piacevolmente scoperto presso la netlabel Magnatune un duo italo-britannico formato da Lara e Ian Plunkett, marito e moglie.
Del loro primo e unico album 14 days mi ha colpito soprattutto la prima song, The River. Sinceramente una voce così particolare, quella di Ian, non la sentivo da tempo. E mi ha rimandato indietro nel tempo, quando guardavo il cielo dalla finestra della mia camera e ascoltavo Lucky Man.
Buona fortuna a voi.
Plunkett – The River (da Magnatune)
Ho sempre considerato il tenore svedese Jussi Björling e il baritono americano Leonard Warren due tra i massimi esponenti nei rispettivi ruoli vocali.
Entrambi nati e deceduti negli stessi anni (1911-1960), sono rapportabili artisticamente dal particolare tipo di emissione timbrico-vocale che li ha sempre contraddistinti.
Sono coloro che maggiormente hanno caratterizzato il proprio timbro vocale grazie allo sviluppo dell’extra formante di canto. Sia chiaro che tale aspetto non sempre è sinonimo di qualità – la voce di Bjorling a più di qualcuno risulta sgradevole ed eccessivamente metallica – ma sappiamo bene che in ambito operistico ciò che costituisce un artista completo è l’insieme di più fattori, presenza scenica, fraseggio, padronanza tecnica, spessore caratteriale, struttura timbrica, …
Quale migliore occasione per ascoltarli in una medesima produzione, una splendida edizione di Tosca del 1957 diretta da Leinsdorf (RCA Victor). Qui i due offrono un’interpretazione secondo me eccelsa, con un Warren-Scarpia stratosferico e un Björling-Cavaradossi fino a oggi insuperabile. Ma è solamente una mia opinione.
Per Bjorling ho preso due esempi tratti dall’aria “Una furtiva lagrima” di Donizetti, estrapolando due vocali, <a> ed <e> su tessitura media e mettendole in loop.
Partiamo con la vocale <e>:
Le bande colorate verticali rappresentano i componenti armonici, da sinistra a destra, e la loro intensità viene indicata dal colore:
Constatiamo subito come il 2° armonico (rosso) sia di intensità superiore rispetto al 1° (blu), una delle caratteristiche che differienziano le voci maschili e i contralti dai soprani, nelle quali avviene l’opposto.
Buona presenza per il 4° e 5°, che costituiscono F2 (2° formante) e poi finalmente troviamo quella banda estesa di intensità medio-alta che costituisce l’extra formante (in questo caso da 7° al 10° armonico), il metallo tipico del timbro di Bjorling.
Analogo esempio sulla vocale <a>:
Qui troviamo ben evidenti gli armonici 2, 3 e 4, mentre notiamo un buco tra il 5°e l’8° per poi incontrare l’extra formante.
Passiamo a Warren, ecco lo spettrogramma sulla frase “Un tal baccano in chiesa” – Tosca – con loop sull’ultima vocale <a>:
Qui le cose si complicano, abbiamo 5 delle 7 vocali della lingua italiana, Un tAl baccanO In chiEsa, e in effetti si notano le diverse disposizioni dei colori delle serpentine degli armonici.
In ogni caso la banda relativa all’extra formante è sempre presente, e questa è la sua caratteristica, a prescindere dalla vocale emessa.
Vi sarebbero molte altre considerazioni, ma lascio a voi l’onere, se volete inseritele nei commenti.
A proposito, la visualizzazione a serpentina degli armonici è dovuta al vibrato in frequenza.
MUSICOTERAPIA E VOCE
IL METODO VOCAL HARMONICS IN MOTION®
UN APPROCCIO TRANSPERSONALE ALLA MUSICOTERAPIA
METIS – MILANO CORSO BUENOS AIRES, 64/D
5 FEBBRAIO 2008 – ORE 21.00
CONFERENZA – INGRESSO LIBERO
Relatore
Lorenzo Pierobon
Lorenzo Pierobon, musicoterapeuta e cantante “atipico”specializzato nell’uso dell’overtones singing in ambito terapeutico, affianca all’attività concertistica corsi e seminari dedicati allo sviluppo della voce in armonia con la respirazione, il movimento e la meditazione.
Si parlerà di
suono come modalità di cura
Ricorrere al suono come cura ha origini antichissime. I nostri antenati si servivano di ritmi e canti, durante riti propiziatori per la fertilità, la nascita, il raccolto. Suoni e musiche evocavano spiriti, entità, antenati e si trasformavano in una vera e propria medicina per le malattie. Gli uomini del passato avevano già compreso la forza attiva del suono e il suo potere di influenzare l’essere umano a livello fisico e mentale, emozionale e spirituale. Il canto, poi, coinvolge tutto l’apparato fonatorio, la lingua, la laringe, il petto, l’addome. Stimola l’epifisi, la ghiandola pineale che produce melatonina, ormone regolatore del sonno e del riposo, rimedio fondamentale, per prevenire vecchiaia e depressione. La melatonina naturale, che rimane in circolo nell’organismo più a lungo, è assai più efficace di quella che si assume in pillole. Proprio per questo, cantare, come ascoltare certa musica, provoca un senso di rilassatezza e benessere, aiuta a combattere stress e frenesia della vita quotidiana, dà una mano per intraprendere un percorso interiore.
Vocal Harmonics in Motion®
E’ un metodo che utilizza tecniche miste, ideato da Lorenzo Pierobon. Si associano vocalizzazioni e movimento. Più precisamente si intonano canti armonici, una tecnica per mezzo della quale si riescono ad emettere due suoni contemporaneamente. Poi, si praticano posture ed esercizi del Qi Gong, l’antica disciplina psicofisica cinese che risale a più di tremila anni fa. L’obiettivo è di accordare tutto il corpo per l’emissione vocale e di aumentare la mobilità e la flessibilità degli organi che concorrono alla fonazione, lingua, laringe, petto, addome. Lo scopo è rinvigorire e rivitalizzare i centri energetici, ridurre stress e stati di tensione. Viene utilizzato per trattare sindromi depressive. Riabilita l’apparato fonatorio.
Consente di riscoprire il piacere della propria voce, aumentare, la creatività e la propria autostima. Il metodo prevede rilassamento guidato, esercizi di respirazione diaframmatica, ascolto profondo di musica d’atmosfera, ambientale. Seguono esercizi di movimento Qi Gong e si conclude con vocalizzazioni. Si viene avvolti da un massaggio sonoro, una sorta di bagno musicale rigenerante. Quando si è in gruppo, si lascia anche libertà di improvvisazione guidata dal musicoterapeuta.
Musicoterapia passiva consiste nell’ascoltare una musica appositamente composta o scelta dal terapeuta.
Musicoterapia attiva ha come scopo principale quello di creare la comunicazione. E’ un metodo molto utilizzato sia con bambini che con adulti. Il dialogo e la comunicazione vengono stimolati da un mediatore sonoro che permette all’individuo di manifestarsi, di esprimersi e di essere accettato dagli altri e integrato nel gruppo. altro/del gruppo, prima tappa dell’inserimento sociale
Dove
METIS è un Centro Studi, Formazione e Terapia. Punto di incontro tra Medicina, Arte e Movimento nel quale Medici,Terapeuti, Formatori, Artisti, Maestri sviluppano ricerche integrate nell’area del disagio fisico e psichico, individuale e relazionale, impostano terapie che immettono la creatività, il movimento, la relazione, l’energia nei protocolli scientifici, insegnano le tecniche professionali e la pratica comunicativa, progettano e sviluppano programmi di solidarietà, lavorano in gruppo con discrezione ed etica.
via Plinio, 1 – 20129 – Milano segreteria@metisonline.it
tel/fax: +39.0229515510
corso Buenos Aires, 64/d – 20124 – Milano www.metisonline.it
Una composizione del 1965 di Steve Reich: è da qui che l’artista elabora e sviluppa la tecnica del phase shifting, ovvero sfalsamento dei piani ritmici.
… Nel 1965, ero a San Francisco e stavo lavorando con due vecchi registratori a bobina per realizzare uno dei miei primi lavori. Avevo creato due loop identici con la voce del predicatore afroamericano che dice “It’s gonna rain”, e li avevo montati ciascuno su un registratore. Indossai le cuffie e quando feci partire le macchine mi accorsi, con grande stupore, che i due loop erano perfettamente allineati all’unisono. E, proprio mentre iniziavo a pensare a come sfruttare questa strana interrelazione, i due loop cominciarono a scorrere non perfettamente all’unisono; il risultato fu che percepii il suono viaggiare da un lato all’altro del mio corpo. Poi, percepii una sorta di riverbero, poi l’eco, e poi, infine, quella paradossale ripetizione della frase. Il viaggio che mi ha portato dall’unisono alla irrazionale relazione tra i loop, più dell’effetto ultimo ottenuto, è stata la molla che mi ha portato a studiare il phase shifting. Quindi, è vero che tutto è avvenuto per caso, ma mi sono accorto che avevo ottenuto, casualmente, un risultato assai interessante. …
Una delle particolarità di questo brano è l’interessante risultato psico-acustico prodotto nell’ascoltatore, e cioè quello di udire frammenti di frasi, parole e suoni che non risultano nella frase originaria.
Teoricamente il motivo è molto semplice, avviene una destrutturalizzazione della frase a tal punto che l’aspetto ritmico-timbrico ostinato viene a prevalere sulla nostra codifica del significato e contenuto concettuale della frase, ed è innegabile che tutto ciò possa portare a situazioni di trance uditiva ed esperienze allucinatorie.
A volte mi capita di soffermarmi per un istante su una parola appena pronunciata e cercare di esulare dal suo significato e concentrarmi esclusivamente sul timbro e sul suo suono. Ripeto la parola in questione varie volte, a diverse velocità, modificandone anche l’intonazione e scandendola in sillabe, o lettera per lettera. Dopo qualche minuto ho la percezione di pronunciare qualcosa di senza senso, e mi sento quasi ridicolo, come se fossi un pazzo che farfuglia qualcosa di incomprensibile.
(In un prossimo post vedremo l’interessante pensiero del compositore americano Robert Ashley, e di come utilizza la voce parlata nelle sue composizioni.)
Ma non è la stessa cosa che pronunciare un insieme di lettere senza significato come ytrewq, sarei già ad un punto morto e inutile, e se pronunciassi il suo inverso qwerty avrei già un richiamo mentale alla tastiera del pc. Quindi la sottile differenza sta nell’esulare dal significato di una parola già conosciuta, non nel pronunciarne una senza senso, ed è qui che facilmente si possono produrre alterazioni di stati di coscienza.
Ora se volete ascoltate pure It’s gonna rain di Steve Reich.
La presente per informarVi che oggi nasce ufficialmente NOISECOLLECTIVE il portale Italiano dedicato alla sperimentazione audio e video: già a partire da questo istante mentre state leggendo questo comunicato il sito è pubblicamente online ed accessibile all’indirizzo http://www.noisecollective.net/ (.it, .org).
Il progetto NoiseCollective nasce con l’ambizioso intento di riuscire a raccogliere in un unico spazio, tutto ciò che rappresenta la scena sperimentale (ELETTRONICA e NON) Italiana, un sito italiano che parla Italiano, risorsa a nostro parere rara in questo specifico settore.
Un mondo, quello della sperimentazione, sempre esistito ed in continua crescita ed evoluzione ma sul quale è difficile reperire informazioni in quanto frammentato e suddiviso in troppe piccole realtà a sè stanti. NoiseCollective vuole essere uno spazio catalizzatore di tutte queste realtà in modo da rendere più semplice incontrare, non solo virtualmente, persone con gli stessi nostri interessi e con la voglia di condividere con gli altri la propria conoscenza. Il sito è stato strutturato in più specifiche sezioni in modo da facilitare la ricerca e consentire un veloce accesso alle informazioni che si ricercano. E’ stata creata ad esempio la WikiNoise: una sezione che, utilizzando il motore Mediawiki della Wikipedia, dedica i suoi spazi agli strumenti musicali (con relative schede tecniche e descrizioni), agli artisti che hanno segnato e segnano la strada dei nostri comuni interessi e molto altro.
Un Forum di supporto dove poter discutere e scambiarsi informazioni su strumentazione, programmazione, elaborazione, software, hardware, costruzione strumenti, circuit bending, MAX/MSP e molto altro. Un Mercatino per la compravendita di strumenti e hardware come schede audio, interfacce MIDI, etc… Tutorials e Rubriche esclusive sulla programmazione MAX /MSP, sul circuit bending, sulle Net Labels…
NoiseCollective nasce anche con lo scopo di cercare di rendere tutti gli argomenti trattati non solamente una pura disquisizione virtuale ma di concretizzarli realmente attraverso dibattiti, concerti e quant’altro possa servire a portare la sperimentazione alla luce del giorno, visibile a tutti. Registrarsi al sito è assolutamente GRATUITO ed ogni apporto alla community sarà ben accetto. NoiseCollective non vuole essere solamente un portale ma una community che spera col tempo di crescere e di accrescere il proprio apporto culturale, invogliando sempre più le persone a spingersi nei meandri della sperimentazione audio e video.
Uno dei pilastri sul quale poggia l’idea alla base di NoiseCollective, è la Collaborazione. Registrandosi al sito, un utente può da subito interagire con gli altri iscritti, inserire News, promuoversi tramite il Calendario Eventi e partecipare attivamente alla vita della community scrivendo articoli e tutorial, proponendo suggerimenti, consigli e perchè no, qualche critica costruttiva.
Siete ancora qui a leggere? Lo staff di NoiseCollective ringrazia per la gentile attenzione prestata, Vi invita a visitare il sito e a dare il Vs apporto alla community.
-NoiseCollective -
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Sicuramente la consapevolezza è requisito indispensabile per la trasmissione di informazioni quanto più possibile coerenti e aderenti alle proprie.
Generalmente però ritengo didatticamente più capace un foniatra piuttosto che un cantante in carriera. Ritengo che la foniatria abbia compiuto passi in avanti enormi rispetto a 5/6 decenni fa, pur essendoci ancora molto da capire.
Voglio dire che un foniatra non solo è in grado di spiegare la struttura del sistema fonatorio meglio di qualsiasi insegnante di canto, ma può aiutare a capire e comprendere molte dinamiche più soggettive con termini tecnici e non aleatori, che sicuramente aiutano ma che da soli risultano insufficienti.
Possiede i mezzi per poterlo fare.
Dall’altra parte potremmo avere un cantante bravo con eccezionale controllo psico-fisico, bella emissione, piacevole, omogenea, senza sforzo, naturale, ma assolutamente non in grado di spiegare e tramandare sensazioni appunto soggettive in quanto non supportato da una conoscenza e terminologia tecnica.
A che servono, da sole e isolate, frasi del tipo:
gira il suono – portalo in avanti – portalo in maschera – appoggia – sostieni – fai risuonare in testa – fai come me – etc.
L’immagine mentale sicuramente diviene indispensabile completamento per il raggiungimento di obiettivi che però sono di natura pneumatico-meccanica.
Sappiamo che il vocal tract è soggetto a un’enorme quantità di mutamenti variabili, spesso involontari, ma sappiamo anche che raramente sono da noi ri-producibili con coscienza e consapevolezza di ciò che meccanicamente è avvenuto nella nostra gola.
Secondo me non si dovrebbe disquisire esclusivamente sulle molteplici valenze della didattica vocale o delle varie teorie e tecniche di canto, ma anche sugli apprendisti. Non vi può essere efficace trasmissione di informazioni in assenza di un buon ricevitore. E viceversa.
L’apprendista vocale efficiente è colui che ben si predispone al consiglio altrui (e che più tardi valuterà se buon consiglio o meno), che sa far diventare proprie nozioni , regole e sperimentazioni in quanto comprese e provate sulla propria gola, che si documenta con trattati, libri, saggi, web e altro, e non per scarsa fiducia verso il suo mentore, che ha compreso tutti i meccanismi atti a ottenere un determinato risultato, con tutto il rischio che ne consegue, e soprattutto che riesce a conoscere e accettare i propri limiti, e quando l’insegnante li sta oltrepassando.
Sostanzialmente.
io, Antonin Artaud, nato a Marsiglia il 4 settembre 1896, cinquant’anni, autore di cinque o sei libri di poesie, attore di cinema e regista… ho perso ogni potere di disporre della mia vita, del mio corpo, internato d’ufficio e costretto in manicomio per 9 anni, oggetto nelle mani dell’autorità, e sottomesso a leggi crudeli ed alienanti che mi resero irrimediabilmente altro per sempre
Ho subito 51 elettrochoc, durante uno dei quali sono stato dichiarato clinicamente morto e poi risuscitato e rigettato nel terrore del trattamento psicoanalitico… Dal più profondo della mia vita io continuo a fuggire la psicanalisi, la fuggirò sempre come fuggirò qualunque tentativo per imprigionare la mia coscienza in precetti o formule, in una organizzazione verbale qualsiasi.
Non ne so ancora molto, ma da ciò che ho spulciato sul sito di Lorenzo Pierobon sembrerebbe molto interessante:
L’uso del suono, come modalità di cura, non è cosa nuova.
E’ probabilmente coevo all’apparire dell’essere umano sulla terra. Gli antichi, usavano il suono in rituali propiziatori per la fertilità, la nascita, il raccolto, la celebrazione della vita e della morte. Il suono evocava spiriti, entità, antenati e guariva il corpo dalle malattie. I popoli del passato avevano capito che il suono è una forza attiva fondamentale nell’universo, che ci influenza a più livelli, da quello fisico e mentale a quello emozionale e spirituale.Le tecniche del metodo Vocal Harmonics in Motion®. sono rivolte alle persone intese come esseri umani completi abbracciandone gli aspetti fondamentali: corpo, mente, spirito. Partire per questo viaggio significa riappropriarsi dei colori del suono enfatizzando gli armonici presenti nella voce naturale.
Possiamo quindi parlare di un approccio transpersonale alla musicoterapia . Il percorso prosegue poi sul piano dell’ascolto con tecniche di deep listenings, rilassamento, gestione dello stress, rivitalizzazione dei centri energetici, massaggio sonoro con campane tibetane, didgeridoo e diapason.
Questa metodologia è utilizzata ormai da molti anni con una tipologia varia di pazienti affetti da : tossicodipendenza, depressione, ansia, autismo, lesioni cerebrali (post coma), lesioni derivanti da ischemia, ictus ed in collaborazione con: ospedali, ricercatori (neurologi, psicologi e psicoterapeuti, omeopati, ), C.S.E., consultori, gruppi di auto mutuo aiuto. L’utilizzo della voce come strumento terapeutico principale vede questa metodologia particolarmente indicata per il recupero dei pazienti affetti da afasia o da patologie legate alla voce ed alla comunicazione.
Oltre a patologie specifiche questo metodo è particolarmente indicato a chi utilizza la voce in modo professionale: cantanti, attori, doppiatori, insegnanti, managers, negoziatori, trainers. Consigliato anche per professionisti nell’ambito artistico: danzatori e musicisti per incrementare la creatività e per utilizzare la voce come strumento di crescita della propria professionalità.
Le nostre proposte sono particolarmente indicate per chi è sottoposto allo stress ed alla frenesia della vita quotidiana, ma anche per chi semplicemente intende intraprendere un percorso interiore e di crescita con e attraverso la voce.
Lorenzo è anche overtone-singer e compositore; nella sezione AUDIO ho inserito due estratti di sue composizioni.
Trovate altri estratti anche qui.
Questo geniale pazzoide crea delle ritmiche incollando opportunamente micro-spezzoni di video. E alla fine del secondo clip puntualizza di non saper suonare sia il piano sia la batteria.
Bella questa rassegna di alcuni bassi profondi proposta su youtube dall’utente jovox.
Riporto anche il suo commento integrale al clip, con delucidazioni sugli interpreti. Impressionante J.D. Sumner, e lo è pure Tim Storms, quello degli esempi finali, anche se l’ultimo mi lascia perplesso.
Ma prima di discuterne ascoltate il video:
So now it´s time to go down below. I don´t count vocal fry or growling, it should be real speaking/singing voice.
I start with the low C (C2) which every bass singer shoule have no problem with. Baritones can also reach it but the volume is not so impressive. Even some tenors can reach it (michael kiske, joe lynn turner, geoff tate) but that is rare.
1. a C2 by swedish folk singer fred åkerström, from the song “glimmande nymf”.
2. a C2 by opera bass kurt moll, from Rosenkavalier.
3. an outstanding C2 from russian bass wiktor wichniakov, from the song “do not cast me off in the time of old age”.
4. famous gospel bass JD sumner hitting an easy (for him) C2 in the elvis song way down.
5. JD begins climing down into the cellar, here´s a A1 from “where the rsoes never fade”.
6. JD hitting a G1 from the same song.
7. russian bass, ivan rebroff, climbing down to a F1, unknown song(this clip can be found on various singing forums though).
8. JD hitting a F1 from the song “give the world a smile”.
9. JD humming his way down to an E1, from elvis song “I got a woman” live.
10. the famous (almost) C1 by JD at the end of elvis song “way on down”. starts on E1 though.
11. a better C1 by JD off song “you´ll never walk alone”.
12. tim storms humming/singing a C1 from song “amazin grace” live version with Rescue.
13. Tim touching a A0 (bottom note on the piano!) in the beginning of this clip!! also from “amazing grace”.
Enjoy!
Io non ho sentito nessun A0 di Tim Storms. Forse jovox intendeva dire che la nota A0 (che in seguito vedremo non essere tale) preso da Tim è alla fine del clip, non all’inizio. Non voglio discutere sulle caratteristiche vocali di Tim, ma sull’attendibilità del finale del video.
Poco prima del minuto 2:00 ascoltiamo Tim nel quarto verso della prima strofa di Amazing Grace, Was blind but now I see. Nell’intervento successivo non è lui che canta ‘Twas grace that taught my heart to fear in tessitura comoda con una bellissimo (per me) timbro morbido alla Take Six, ma il bravissimo Mitch Fewell.
E lo si capisce qui:
Per finire, questo fantomatico A0, primo tasto alla sinistra del pianoforte. Non c’è proprio, l’ultimo intervento di Tim è la parziale ripetizione di quello precedente, ci viene riproposto solo …I see, e sono due frequenze, C1 e F1.
Divertente questo filmato in cui il tenore si cimenta in La donna è mobile. Dall’Arena di Verona, credo negli anni ‘70 .
Tralasciando l’interpretazione comunque piacevole anche se tecnicamente difettosa, di lui mi colpisce sempre lo spessore vocale.
CENTRO STUDI CARRARO
Lungadige Attiraglio 45 – Verona
(visualizza mappa)
Sabato 28 luglio 2007 ore 10.00/13.00 – 14.00/17.00
seminario di analisi timbrica del suono vocale mediante l’utilizzo delle tecnologie informatiche
relatore: Marco Tonini
Il seminario è aperto a tutti coloro che desiderano perfezionare il proprio potenziale vocale seguendo contemporaneamente un lavoro di ricerca e crescita personale attraverso la conoscenza fisioacustica dell’evento sonoro e quindi del suono vocale.
Durata prevista: circa 6 ore con dimostrazioni tramite PC software ed esempi pratici
quota di adesione: 70 euro
A tutti i corsisti verrà rilasciato un attestato di partecipazione
MARCO TONINI – nato a Padova nel 1963, da un ventennio studioso e ricercatore sulle tecniche sia tradizionali sia sperimentali dell’emissione vocale.
Diplomato in Pianoforte e in Musica Corale e Direzione di Coro, si è in seguito laureato a pieni voti in Composizione Multimediale con una tesi sulla formante alta di canto e sulla fisiologia acustica dell’apparato vocale umano, affiancando all’attività concertistica come direttore di coro, d’orchestra e di compositore quella di analisi e studio della fisioacustica del suono vocale mediante l’utilizzo e lo sviluppo delle tecnologie informatiche.
Ha tenuto corsi sulla vocalità lirica e moderna per associazioni e scuole statali superiori, cercando di portare l’attenzione al rapporto ciclico emissione vocale/ascolto (Tertium Auris).
Artisticamente ha collaborato con artisti quali Wilhelmina Fernandez, Marie Ange Todorovitch, Bruna Baglioni, Giuseppe Giacomini, Gianfranco Cecchele, Mario Malagnini, Rolando Panerai, Bonaldo Giaiotti ed altri, partecipando a Stagioni e Festival Lirici in Italia, Egitto, Libano, Francia, Germania e Svizzera.
Si è perfezionato in direzione d’orchestra e di coro con Julius Kalmar, Ludmil Descev e Peter Erdej, è stato direttore del Coro del Teatro Verdi di Padova, del Coro Città di Verona, del Coro e Orchestra dell’Accademia d’Arte Musicale di Padova, ha collaborato come direttore ospite con la Corale Giuseppe Verdi di Parma, la Compagnia di Canto Lirico Lombarda, il Coro Lirico di Bergamo, l’Orchestra Filarmonica di Stato Moldova di Jasij, l’Orchestra da Camera di Sòfia, l’Orchestra Hans Swarovsky di Milano, l’Orchestra Sinfonica Città di Verona, l’Orchestra degli Allievi del Conservatorio Dall’Abaco di Verona e l’Orchestra Giovanile del medesimo istituto.
Ha creato varie composizioni elettroacustiche con l’elaborazione digitale di campioni esclusivamente vocali, un Piccolo Requiem per coro e orchestra, due Messe per coro e tastiera, un Concerto per pianoforte e orchestra , una Sinfonia Terribile, una Sinfonia Semplice, numerosi lavori per coro sacro, sinfonico e a cappella, arie e duetti per pianoforte e voce.
Dal 1986 è maestro accompagnatore al pianoforte per cantanti lirici.
Chiamato a sostenere il ruolo di esperto moderatore in conferenze, corsi e web-forum sulla didattica e sperimentazione dell’emissione vocale, ha recentemente istituito su richiesta di colleghi, studenti e appassionati un blog sulla sperimentazione vocale, reperibile all’indirizzo http://marcotonini.wordpress.com
Attualmente è direttore del Coro Lirico di Verona e del Coro di voci bianche Benjamin Britten di Verona.
Ho riportato l’articolo precedente nella pagina EXTRA FORMANT, mi sembrava doveroso, ma vi consiglio di rileggerlo, ho aggiunto alcune considerazioni interessanti, un filmato e tagliato la parte su Madde. Lo trovate qui.
Trovo questo software semplicemente fantastico.
Se voglio giochicchiare con i formanti per sentire quanto il loro cambiamento influisce sulle vocali, non c’è di meglio.
Prima di dare un’occhiata al clip che ho realizzato, sono doverose alcune chiarificazioni:
Alcuni aspetti interessanti della struttura formantica:
i primi due formanti contengono sufficienti informazioni affinchè il nostro sistema di audio-codifica identifichi e classifichi un timbro vocalico
ciascuna delle 7 vocali della lingua italiana prevede almeno 5 formanti, situati in zone frequenziali ben precise
Diamo ora un’occhiata a questa immagine:
sono raffigurate le frequenze dei primi due formanti di tutte e 7 le vocali, con relativo assetto del tratto vocale.
La cosa interessante è che per ogni vocale la posizione dei formanti non cambia pur variando la frequenza che si sta emettendo.
Ciò che fa la differenza è la diversa quantità di informazioni contenute in ciascun formante; nella figura qui a destra si nota come emettendo la stessa vocale <a> su frequenze diverse si determinino identici formanti ciascuno con una quantità diversa di componenti armoniche. Ciò avviene in quanto aumentando la frequenza, il primo armonico si sposta visivamente verso destra, e così tutti gli armonici successivi, che sono suoi multipli interi.
Questo è anche uno dei motivi per cui facciamo più fatica a notare differenze timbriche tra due soprani piuttosto che tra due bassi.
Tornando alla figura di sinistra, Mauro Uberti fa notare una cosa molto interessante: il picco del primo formante aumenta di frequenza dalla <i> fino alla <a>, per poi decrescere e tornare alla posizione di partenza dalla <a> alla <u>.
Il motivo è semplice quanto affascinante: F1 (primo formante) è in relazione anche con l’ampiezza della cavità faringea (dietro la lingua per intenderci), che in effetti, osservando la figura, prima diminuisce e in seguito aumenta.
Idem dicasi per le posizioni di F2 che si posiziona attorno ai 2700 nella <i> (cavità buccale piccola) e man mano scende fino ai 700 Hz nella <u> (cavità buccale ampia).
In quest’altra immagine abbiamo una chiara visione spettrografica di F1 e F2 e loro variazioni per ciascuna vocale:
Uberti: le sette vocali della lingua italiana sintetizzate per chiarezza di esposizione come se fossero cantate da un basso sulla stessa nota fa1 (= 87,30 Hz): in alto lo spettrogramma dell’esempio vocale; nella colonna sinistra gli schemi degli atteggiamenti articolatori, ricavati da radiografie; nella colonna destra gli spettri delle sette vocali.
Nello spettro di ogni vocale si riconoscono facilmente i gruppi di armonici dall’aspetto di picchi montagnosi, chiamati “formanti”.
Nello spettrogramma le stesse formanti appaiono come annerimento degli stessi gruppi di armonici.
Per contro è interessante notare, come già menzionato, come al variare della frequenza di una medesima vocale i formanti cadano sempre nelle medesime bande frequenziali:
Graficamente vi è un modo molto semplice per coordinare l’azione dei primi due formanti F1 e F2 il cui rapporto determinerà le diverse vocali, ovvero si prende un piano cartesiano e sull’asse x si dispongono le frequenze di F1 e sull’asse y le frequenze di F2, in questa maniera:
ho cerchiato in rosso molto approssimativamente le coordinate dei primi due formanti, nel senso che ad esempio la vocale <è> emessa da voce liricamente ben impostata potrebbe risultare come F1=1400 Hz e F2=1500 Hz.
Risulta essere quindi una traccia molto indicativa utile soprattutto per sperimentare con il sopracitato software gratuito del geniale Svante Granqvist, che potete scaricare liberamente qui, purtroppo solo per win.
Vediamo solamente alcune funzioni di base:
Cliccando su Settings/Show F1F2 map… si aprirà una finestra con rappresentazione cartesiana dei primi due formanti, sulla quale andrò a cliccare col tasto sinistro del mouse per modificare i valori di F1 e F2 e sentire le diverse vocali.
Ecco il video, nel quale ho inserito solo alcune operazioni principali, per il resto lascio alla sperimentazione più totale.
Dimenticavo, se scarico anche RTSect e lo avvio insieme a Madde, posso visualizzare in tempo reale un sonogramma con le variazioni formantiche.
Ormai è cosa risaputa che i bassi nord-europei ma soprattutto nord-asiatici possiedono generalmente un’estensione verso la zona grave davvero notevole.
Quantomeno incuriosisce l’inizio del brano corale con i bassi che intonano un B1 per poi scendere progressivamente a un F#1.
Per rapportare la cosa consideriamo che in ambito lirico le romanze o le parti corali da basso scendono raramente sotto F2, quasi un’ottava sopra, per capirci.
Per me è un’esecuzione dal punto di vista timbrico da pelle d’oca. Eccezionali.
Aggiunta nuova pagina sull’extra formante di canto.
La troverete proprio qui.
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Interessante sì!
Vi si trova anche questo video con qualche curiosità sulla creazione timbrico-vocale per il film Farinelli, il castrato.
Date comunque un’occhiata al sito.
Se ne è parlato qualche anno fa, all’inizio del nuovo millennio.
Nel progetto NASDAQ Vocal Index i grafici azionari delle aziende, ma presumo solo alcune, listate nel NASDAQ venivano convertiti in tempo reale in notazione musicale mediante software.
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A qualcuno venne quindi in mente di fare eseguire le partiture risultanti a ensemble vocali.
Nei video che seguono si può notare chiaramente che ogni compagnia viene associata a registri vocali differenti, che interpretano quindi l’andamento azionario di quel preciso istante.
Mi sembra di capire che la conversione sia in prevalenza di tipo ritmico piuttosto che melodico.
Lo score viene quindi proiettato su uno schermo dove vocalisti e direttore seguono la partitura mediante un cursore stile Finale.
Non trovo parole per definire quest’artista, anti-diva, regina dell’umiltà e della semplicità, dalla cui persona traspare una totale capacità d’apertura mentale all’ascolto, colei che secondo me più di ogni altro incarna ciò che rappresenta il nome di questo blog.
Qui un’intervista e qua parte del suo pensiero.
Considerando il fatto che la fisa – della quale non ho mai apprezzato sia il timbro sia l’accostamento al genere popolare – riesco ad ascoltarla solo se “usata” da lei.
Eccovi questo brano di Pauline Oliveros, tratto da questa bella raccolta, Extended Voices, da Ubu Web.
Nulla di eccezionalmente nuovo, anche perchè trovo sia difficile evitare di riproporre stereotipi già vissuti e sperimentati. Però notevole.
Pauline Oliveros – Sound Patterns
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Tra i vari beat-boxer che ho ascoltato, questo Shlomo e il già citato Joseph mi sembrano i più divertenti, nonchè i due dalle potenzialità più elevate.
Segnalato da Federico.
Credevo che fosse impossibile eguagliare o superare la perizia delle sezioni percussive dei Take Six e degli The House Jacks, comunque questo tizio produce suoni incredibili.
Mi chiedo quanto consapevolmente.
Nei primi minuti dei video nulla di eccezionale, poi si cominciano a notare le sue potenzialità.
Tralascio ogni giudizio (meglio!) sul festival della canzone nostrana, sui partecipanti, sui vincitori, su ciò che dovrebbe rappresentare oggi (non secondo me) il fior fiore della canzone italiota.
Mi soffermo brevemente sui membri della giuria di qualità, che possiede potere decisionale pari al 20%, peso non irrilevante:
Autieri attrice
Caprarica giornalista
Coccoluto dj
D’Alatri regista, attore
De Angelis (alias Andrew Barrymore, The Oliver Onions, …)
Ghini attore
Magalli presentatore
Palombelli giornalista
Parietti soubrette
Savino attrice
e domani è lunedì
Io sono al computer.
Mia moglie accende la TV.
Famoso teatro d’opera, famoso direttore, cast tutto francese, e di buon livello generale, in scena un’opera famosa di repertorio.
E mentre sbrigo le mie faccende, ascolto.
Mi colpisce il soprano che interpreta un ruolo secondario, canta bene, nel senso che è ben intonata, filati di ottima fattura, timbro omogeneo e curato in tutta l’estensione, la respirazione sembra ben controllata, vibrato morbido e … naturale?
Mi chiama mia moglie, anch’essa soprano: “ma come canta questa?!”
In effetti non credo alle mie orecchie e ai miei occhi, un vibrato così apparentemente naturale emesso con un mezzo così artificiale… possibile che io mi sia fatto ingannare?
Labbra che si protendono e arretrano con movimenti rapidi atti a simulare un vibrato di ampiezza e di frequenza pressochè perfetto.
Acusticamente piacevole, visivamente ridicolo, didatticamente terrificante.
E siamo in un teatro di tradizione, e c’è una ripresa video internazionale.
Il vibrato vocale è naturale in quanto prodotto naturalmente dal processo di fonazione.
Questo è il meccanismo:
Al ritorno il procedimento si inverte, diminuzione della pressione, la laringe si abbassa, …
praticamente, come lo definisce l’amico Mauro Uberti, è un meccanismo di tipo meccanico-pneumatico.
CT=cart. tiroide CA=aritenoidi CC=cart. cricoide MST=muscoli sterno-tiroidei
E qui torniamo ad un recente mio commento sul rapporto EFFICIENZA-EFFICACIA delineato anche da Fussi:
distinguiamo subito EFFICIENZA vocale da EFFICACIA vocale:
una voce EFFICIENTE prevede il totale controllo fisiologico di tutto l’apparato per raggiungere in modo ADEGUATO lo scopo, es. parlare un’ora in una grande sala senza ampl, cantare lirica in un palco cercando di far “correre” la voce, essere intellegibili, etc = corretta gestione del meccanismo di fonazione
una voce risulta EFFICACE quando l’apparato si adopera per raggiungere lo scopo. In QUALSIASI modo = mancanza di coordinamenti pneumofonici (rapporto aria/voce) con conseguente danno
quando per qualsiasi motivo viene a mancare l’EFFICIENZA si passa all’EFFICACIA con conseguenti comportamenti abusivi
Come disse Stockhausen qualche decennio fa, ma vale ancora oggi, al produttore, al direttore artistico, all’impresario, non interessa la qualità, interessa un prodotto commercialmente vendibile che crei audience.
Consapevoli ed ammareggiati (soprattutto mia moglie, “intanto lei è lì che canta”) di aver ricevuto ulteriore conferma della sempre più drastica discesa del livello artistico lirico generale, abbiamo spento la TV.
John Cage nel 1989:
Through Pauline Oliveros and Deep Listening I finally know
what harmony is….It’s about the pleasure of making music.
Dal suo sito:
…..
For me, Deep Listening is a lifetime practice. The more I listen the more I learn to listen. Deep Listening involves going below the surface of what is heard and also expanding to the whole field of sound whatever one’s usual focus might be. Such forms of listening are essential to the process of unlocking layer after layer of imagination, meaning, and memory down to the cellular level of human experience. Listening is the key to performance. Responses, whatever the discipline, that originate from Deep Listening are connected in resonance with being and inform the artist, art and audience in an effortless harmony.Babies are the best Deep Listeners.
-Pauline Oliveros
Figura di spicco della musica elettronica americana dagli anni ‘60, fu membro del San Francisco Tape Music Center, in seguito divenuto il Center for Contemporary Music – Mills College, con Morton Subotnick, Terry Riley, Steve Reich.
Fondò il Deep Listening Institute ed istituì il trio Deep Listening Band (eccovi un audio-excerpt tratto da Sanctuary), che amava registrare le proprie produzioni all’interno di enormi cisterne, cattedrali, …, formato da lei stessa (accordion + electronics), Stuart Dempster (trombones, didjeridu) e David Gamper (keyboards).
Devo dire che mi ha entusiasmato non poco.
Da www.musicclub.it:
È curioso che uno dei dischi migliori pubblicati nel 2000, alle soglie del terzo millennio e allorquando le nuove tecnologie e le nuove generazioni stanno prendendo il multinazionale sopravvento, si debba accreditare a una signorina che si appresta a spegnere settanta candeline! Tante sono le primavere sulle spalle di Pauline Oliveros, membro della storica Deep Listening Band e un’attività in continua evoluzione, con un presente più che mai roseo, non solo alla luce di quanto dimostrato in ‘Primordial Lift’, disco che la vede impegnata con fisarmonica, elettronica e voce, e al cui fianco troviamo l’ex Gastr Del Sol David Grubbs all’harmonium, il violinista elettrico Tony Conrad, la violoncellista Anne Bourne, la violoncellista elettrica Alexandria Gelencser e Scott Olson, impegnato a manipolare i suoni prodotti dagli altri per mezzo di un oscillatore a bassa frequenza. L’anima elettronica e quella acustica della Oliveros si incontrano e lanciano un monito per quello che potrebbe accadere se le frequenze di risonanza del globo terrestre dovessero passare dai 7.8 Hz ai 13 Hz. Considerando che nel 1994 eravamo a 8.6 Hz si prevede che attorno al 2010 dovremo raggiungere la soglia di 13 Hz e attenderci che il campo magnetico della Terra passi attraverso il punto zero, al che si potrebbe verificare un mutamento polare. I 14’ di ‘Primordial’ rappresentano il passaggio da 7.8 Hz a 13 Hz, mentre la mezz’ora di ‘Lift’ raffigura ciò che accadrà oltre i 13 Hz. Il sound è di una struggente e disarmante bellezza; elettronica minimale che, senza perdere fascino, subisce pochi impercettibili mutamenti nel primo pezzo e cresce inarrestabile nella seconda traccia, dove è più alto il pathos toccato dalla compositrice. Dire splendido è dire poco!
Qui una bella intervista con Piero Scaruffi.
Anna Schoff è un soprano lirico americano tuttora in attività nel suo paese e nei maggiori teatri europei.
Girovagando in rete ho scoperto un suo interesse per la composizione vocale sperimentale, coadiuvata dal marito, anch’egli celebre artista lirico, che si cimenta però nel supporto audio-elettronico.
Ho trovato interessanti:
Ciò che più mi ha colpito è il fatto che siano artisti provenienti dalla cultura lirica.
Il mio stupore è dato dalla convinzione abbastanza comune che la categoria dell’artista lirico spesso assuma connotazioni da circolo elittario; sovente ho sentito affermazioni allucinanti da artisti di fama, del tipo
Colpa, perchè colpa è, di una certa mentalità didattica manieristica inculcata da taluni insegnanti ottusi che badano a formare più l’esteriorità che il contenuto, restringendo sempre più nell’apprendista l’angolo di visuale della realtà (anche storica) dello sviluppo musicale.
Quindi per me ben vengano queste sanissime devianze.
Nel corso degli anni ho avuto l’occasione di conoscere professionalmente molti
insegnanti di canto
italiani e stranieri.
Ed ovviamente mi sono fatto una mia idea sulla didattica dell’emissione vocale:
vi sono tanti metodi di canto quanti sono gli insegnanti di canto
Non credo di esagerare, è vero che le scuole di pensiero non sono moltissime (per fortuna, altrimenti sai che guaio), ma ogni didatta integra mediante le proprie esperienze e conoscenze acquisite.
In qualsiasi disciplina è fondamentale avere qualcuno che ti comunica il suo sapere, che non è mai assoluto, affinchè ce ne si appropri, lo si faccia proprio. Credo che tramandare il sapere sia qualcosa di sacro, un’arte difficile quanto necessaria per apprendere.
Tempo fa trovai una notizia in rete per me alquanto allarmante:
qualcuno aveva deciso di stilare una classifica delle scuole di canto italiane in base alla loro affidabilità.
Ora, anche se prendessimo in esame solamente un campione costituito da un centinaio di scuole, quanto tempo occorrerebbe per testarle?
Io parto dal presupposto che per verificare l’efficacia o attendibilità di un insegnante non posso assistere solamente ad una o due sue lezioni, nè tantomeno verificare le sue cognizioni chiedendogli se conosce il ruolo delle aritenoidi o della formante alta di canto.
Non solo, ma parliamo di scuole di canto lirico o “moderno”?
Se mi chiedessero di effettuare tale indagine (rifiuterei, ma se dovessi …) credo che sarebbe per me necessario partecipare alla vita didattica di ogni insegnante, assistere a molte sue lezioni, dovremmo confrontarci per verificare le rispettive conoscenze, tramandarci a vicenda il proprio sapere. In termini di tempo penso che occorrerebbe qualche mesetto.
Per 1 insegnante.
Me ne rimangono altri 99.
Ok, potrei farmi aiutare da molti assistenti-collaboratori, ma sono sicuro che non saremmo in grado di mantenere i medesimi criteri di valutazione.
Insomma, mi sembra un’indagine improponibile in quanto irrealizzabile in tempi brevi, e proprio perchè poco obiettiva nella sua classifica finale, deleteria per l’arte del canto stesso.
Trovo che l’unico modo per verificare la validità di un insegnante sia quello di provare sulla propria voce, con tutti i rischi che ne conseguono, è ovvio (soprattutto fisiologici ed economici).
Ma con un pò di:
si può arrivare al più sacrosanto obiettivo per uno studente.
FIDARSI
.
Ho ascoltato molti suoi brani.
Secondo me la sua produzione può essere classificabile in due tronconi:
Eccovi alcuni audio excerpt (per un ascolto rapido cliccate su PLAY dopo aver scelto il file link):
Hymn
My Tuva
Deep blue
Red orange
Violet silver
spectrogram di Hymn – purtroppo il formato jpg elimina molti dettagli:
E’ interessante notare come vi sia una ben definita conformazione formantica tra i 3000 e i 5000 Hz (nulla a che vedere con l’extra formante di canto), e come la sequenza degli armonici sia chiara ed evidente in quasi tutta la banda udibile.
L’analisi dello spettro mediante FFT evidenzia situazioni alquanto interessanti:
Una curiosità:
ho notato che osservando questo spettrogramma (Hymn) sullo schermo LCD del mio notebook ondeggiando il capo a destra e sinistra ripetutamente, si ha l’impressione che appaia in 3D, simile all’effetto che offre uno stereogramma.
Bah! forse ho dei problemi…
Ecco qualche informazione su Sainkho Namtchylak da Wikipedia:
Sainkho Namtchylak
Da Wikipedia, l’enciclopedia libera.
Sainkho Namtchylak (nata nel 1957) è una cantante siberiana.
Biografia
È nata in un villaggio della repubblica ex sovietica di Tuva, nella Siberia meridionale, vicino al confine con la Mongolia.
Entrambi i genitori erano insegnanti. Ha studiato musica al conservatorio locale e ha completato gli studi a Mosca, diplomandosi in canto all’Istituto Gnesinskij.
Ha studiato inoltre le tradizioni siberiane lamaiste e sciamaniche, così come gli stili di Tuva e della Mongolia di canto Xöömej.
Ha esordito come cantante folk con il Tuvan State Folk Ensemble, poi ha cominciato a farsi conoscere all’estero con canzoni raccolte sotto il titolo “Out of Tuva”.Nel 1988 Sainkho ha inizato a lavorare con altri musicisti in Unione Sovietica, cercando di fondere la tradizione etnica con lo stile moderno.
Ha fatto parte del complesso jazz di San Pietroburgo “Tri-O” insieme con Sergej Letov (sassofono), Arkadij Kiritschenko (tuba) e Alexander Alexandrov (fagotto), suscitando l’attenzione della stampa occidentale a causa del suo aspetto esotico: minuta, lineamenti orientali, testa rasata, sari di seta multicolori, sciarpe sontuose e tute di canapa grezza.
Sembra che nel 1997 sia stata aggredita da un gruppo neonazista russo che la lasciò in coma per due settimane (anche se le fonti discordano e altre affermano che sia stata operata per un tumore cerebrale maligno); in ogni caso, il 1997 ha segnato un cambiamento nella sua carriera: da allora vive a Vienna e ha fatto soprattutto incisioni da solista.
Nel 2006 pubblica il suo primo libro con cd audio allegato Karmaland Liberodiscrivere Edizioni
Discografia essenziale
- Lost Rivers (1987)
- Out Of Tuva (1993)
- Time Out (1997)
- Letters (1997)
- Naked Spirit (1998)
- Stepmother City (2001)
- Who Stole The Sky (2003)
Interessante questo punto di vista.
E pure molto esplicativo di ciò che succede nel VT (vocal tract) durante la fonazione.
Nel primo clip si riesce ad intravvedere perfino l’osso ioide, a destra dell’epiglottide e alla stessa altezza della monetina, ed abbastanza bene il velo palatino.
I movimenti linguali sono evidenti maggiormente nel secondo clip.
Il senso della caduta della monetina nel primo clip?
Semplice, si è voluto dimostrare che il tutto è stato effettuato con soggetto in piedi, o al limite seduto, e non sdraiato. Questo per mantenere i movimenti degli organi di fonazione naturali come nella quotidianità – solitamente si parla o si canta in posizione verticale.
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